CN Klappe

Nina Haun über Vielfalt und Verantwortung beim Casting

 | Carina Kühne

Casting Director Nina Haun (ICDA) übernimmt eine Patenschaft bei der Initiative „Alle Körper im Film“. Die Initiative setzt sich für mehr Sichtbarkeit unterschiedlicher Körper und Lebensrealitäten in der Filmbranche ein. Für unsere Gastautorin Carina Kühne war dies Anlass, mit Nina Haun über Diversität, Rollenbilder und die Verantwortung beim Casting zu sprechen. Darüber hinaus geht es um ihre Arbeit an Paweł Pawlikowskis „Vaterland“, die Zusammenarbeit mit internationalen Casting Directors und ihr Engagement innerhalb der European Film Academy. Auch die Lola für das beste Casting, die 2027 erstmals verliehen wird, ist Thema. Nina Haun spricht über ihre Neugier auf Menschen, ihren langjährigen Einsatz für mehr Vielfalt und darüber, was eine gelungene Besetzung ausmacht.

Am 2. November konnten sich interessierte SchauspielerInnen auf dem Instagram-Account von allekoerperimfilm für eine Patenschaft bei Nina Haun bewerben.

Bewerben konnten sich Schauspielende mit Ausbildung oder bereits vorhandener Dreherfahrung, die dem körperlich diversen Spektrum angehören. Das heißt zum Beispiel: aktuell schwanger, Ü40, mit Behinderung oder mehrgewichtig, also alle, deren äußeres Erscheinungsbild von der vermeintlichen Schönheitsnorm abweicht. Wer sich diesem Spektrum zugehörig fühlt, konnte sich um die Patenschaft bewerben.

Die Patenschaft dauert ein Jahr und wird von Nina und dem Patenkind gemeinsam gestaltet. Wie viele Treffen es gibt und was sie zusammen machen, entscheiden die beiden im Prozess. Das kann zum Beispiel ein gemeinsamer Veranstaltungs- oder Kinobesuch sein, das Sichten von Demo-Material oder die Arbeit am Datenbankeintrag.

Wir gratulieren Cindy Klink, die für die Patenschaft ausgewählt wurde. Cindy ist als Deaf-Performerin, Content-Creatorin und Schauspielerin tätig und überträgt Musik in Gebärdensprache.

© Florian Liedel

Cindy Klink

Vielen lieben Dank, dass ich für die Patenschaft mit Nina Haun ausgewählt wurde und nun ein Teil von Euch sein darf. Ich freue mich sehr auf die Begleitung durch Nina Haun und darauf, Fragen zu besprechen, die mich schon lange beschäftigen. Was man mir auf den ersten Blick nicht unbedingt ansieht: Ich bin gehörlos. Ich trage Cochlea-Implantate, spreche und gebärde. Meine bisherigen Figuren hatten alle eines gemeinsam: Auch sie waren gehörlos. Ich bin sehr dankbar für diese Rollen und die Geschichten, die ich erzählen durfte. Gleichzeitig wünsche ich mir, auch für Rollen in Betracht gezogen zu werden, die nicht ausdrücklich als gehörlos geschrieben sind. Wie kann ich zeigen, was ich darüber hinaus mitbringe? Und wie schaffe ich es, dass meine Zweisprachigkeit als Möglichkeit und nicht als Begrenzung wahrgenommen wird? Deshalb habe ich mich beworben.

Cindy Klink, 29, lebt in Koblenz. Die gelernte Verwaltungsfachangestellte kam 2022 über ein offenes Casting zur Schauspielerei. Ihr Debüt gab sie in einer Hauptrolle in „Der Masuren-Krimi – Die verlorene Tochter“. Es folgten Rollen in „Die Pfefferkörner“, „Hameln – Die Rückkehr des Rattenfängers“ und „Die Bergretter“. Im Kinofilm „Als wäre es leicht“ spielte sie die Hauptrolle Kati. Demnächst ist sie außerdem in der ARD-Serie „Die Kanzlei – Ohne Gehör“ zu sehen. Auf der Theaterbühne übernahm sie 2025 die Titelrolle in „Medea.Stille“ beim Sommerblut Festival in Köln. 2024 wurde sie mit dem BUNTE New Faces Award in der Kategorie „Disruptive Mind“ ausgezeichnet.

© Urban Ruths

Nina Haun im Gespräch mit Carina Kühne


Wie kam es zur Patenschaft bei „Alle Körper im Film“ und wie wichtig ist Dir das Thema?
Ich verfolge die Initiative schon länger auf Instagram und fand sie von Anfang an großartig. Monika Oschek, die Initiatorin, habe ich 2014 bei unserem alljährlichen UFANachwuchscasting kennengelernt. Anschließend hat sie in der ersten Staffel unserer Serie „Charité“ mitgespielt. Als sie mich fragte, ob ich eine Patenschaft übernehmen möchte, habe ich sofort zugesagt. Sowohl beruflich als Casting Director als auch privat ist es mir ein großes Anliegen, Menschen offen zu begegnen. Mich interessiert, wie sie sich in ihren unterschiedlichen Lebensrealitäten bewegen und wie sie diese meistern. Als Casting Director trage ich Verantwortung auf mehreren Ebenen: Wir suchen Besetzungen für geschriebene Drehbücher. Gleichzeitig haben wir Anteil daran, welche Menschen, Erfahrungen und Perspektiven auf dem Bildschirm sichtbar werden. Ich finde es toll, dass jeder Mensch einer Rolle etwas Eigenes hinzufügt. Jede Person hat einen eigenen Vibe, einen eigenen Ton. Das sehe ich auch als unseren Auftrag. Dazu gehört ein integrativer Blick, der Menschen mit unterschiedlichen Körpern und Körpererfahrungen, Altersgruppen, Herkunft, Geschlechtsidentität, Fähigkeiten und Lebensrealitäten berücksichtigt. Je selbstverständlicher wir das erzählen, und je weniger wir es als etwas betrachten, das man abhaken muss, desto besser, interessanter und menschlicher werden die Geschichten.

Was passiert bei einem Casting-Prozess? Ist es wichtig, einem Idealbild zu entsprechen? Und spielt Schönheit eine Rolle?
Schönheit ist kein objektives Kriterium und sollte nicht mit Besetzbarkeit verwechselt werden. Zum Körperbild gehört viel mehr als Aussehen: Es zeigt sich auch darin, wie jemand sich bewegt, mit anderen in Beziehung tritt, wie Gefühle, Gedanken und Verhaltensweisen zum Ausdruck kommen. Durch Körperlichkeit, Erfahrungshorizont und Fähigkeiten wird eine geschriebene Rolle verändert. Es gibt so viele Möglichkeiten, eine Rolle zu besetzen. Und jedes Mal entsteht dadurch ein anderer Film. Das erinnert mich übrigens an Dein About Me. Darin sagst du: „Wer gesehen wird, gehört dazu.“ Besser kann man es eigentlich nicht zusammenfassen.

Ich habe die Erfahrung gemacht, dass ich nicht den Vorstellungen entspreche, die man von einem Menschen mit Trisomie 21 hat. Welche Kriterien gibt es dafür, wer für welche Rollen richtig aussieht? Sind bestimmte Bilder oder Zuschreibungen noch sehr fest verankert, oder gibt es da schon Veränderungen?
Ich glaube, dass sich bereits etwas bewegt hat, aber es muss sich noch deutlich mehr verändern. Vorstellungen davon, wer für eine Rolle „richtig aussieht“, sind nicht neutral. Sie sind auch von Sehgewohnheiten und gesellschaftlichen Zuschreibungen geprägt. Gerade beim Casting von Schauspielerinnen und Schauspielern mit Behinderungen müssen wir deshalb darauf achten, dass vertraute Bilder nicht zu engen Vorgaben werden.

Unsere Aufgabe im Casting ist es, die eigenen Vorstellungen immer wieder zu hinterfragen: Was braucht eine Figur tatsächlich und was setzen wir nur voraus, weil wir sie bisher immer auf eine bestimmte Weise gesehen haben? Aus einer Diagnose lässt sich nicht ableiten, welche Persönlichkeit jemand hat, welche Fähigkeiten jemand mitbringt oder welche Rollen jemand spielen kann.

Deinen Satz auf Filmmakers – „Ich kann auch mehr als drei Sätze lernen!“ – fand ich deshalb so treffend. Für mich steckt darin mit Humor eine klare Forderung: als Schauspielerin mit unterschiedlichen Fähigkeiten und Möglichkeiten wahrgenommen, statt auf eine Diagnose reduziert zu werden. Eine Rechtsanwältin, eine Mutter, eine Nachbarin… Eine Behinderung kann Teil dieser Figuren sein, ohne dass sich ihre ganze Geschichte darum drehen muss. Dass Schauspielerinnen und Schauspieler mit Behinderungen für solche Rollen ganz selbstverständlich in Betracht kommen, sollte zu unserem beruflichen Alltag gehören.

Wo liegen für Dich die Möglichkeiten von Casting, mehr Vielfalt auf die Leinwand zu bringen und vielleicht auch Vorstellungen von Figuren zu verändern? Und wo stößt Casting an Grenzen, weil Entscheidungen bereits im Drehbuch, in der Regie oder Produktion getroffen wurden?
Die Besetzungsentscheidungen haben auch eine Wirkung, aber Vielfalt darf nicht erst am Ende als sichtbares Zeichen hinzugefügt werden. Sie sollte von Anfang an Teil der erzählten Welt sein, in den Figuren, ihren Beziehungen und ihren Konflikten. Wer kommt in dieser Welt vor? Wer hat Handlungsmacht? Wessen Perspektive wird erzählt? Bei unserer Apple-TV-Serie „Where’s Wanda?“, von der gerade die 2. Staffel gelauncht wurde, war beispielsweise Ole, Wandas gehörloser Bruder, bereits in den Drehbüchern als gehörlose Figur angelegt, diese Perspektive war also fest in der Geschichte verankert. Casting kann Räume öffnen, aber strukturelle Veränderung beginnt früher und reicht weiter. Entscheidend ist nicht nur, wer am Ende besetzt wird, sondern auch, wer Figuren entwickelt, Drehbücher schreibt, produziert, finanziert und über Projekte entscheidet.

Du hast an sehr unterschiedlichen Projekten gearbeitet. Ein wichtiges aktuelles Projekt ist „Vaterland“ von Paweł Pawlikowski. Der Film beschäftigt sich mit Thomas Manns Reise durch das Nachkriegsdeutschland 1949. Besetzt sind unter anderem Hanns Zischler als Thomas Mann, Sandra Hüller als Erika Mann und August Diehl als Klaus Mann. Ich habe mir den Film angeschaut und finde ihn sehr gelungen, besonders auch die Besetzung. Du hast mit zwei weiteren Casting Directors, Magdalena Szwarcbart und Karen Lindsay-Stewart, zusammengearbeitet. Wie kann man sich die Casting-Arbeit bei einer solchen internationalen Produktion vorstellen?
Erst einmal freut es mich, dass du den Film gesehen hast und er dir gefällt! Bei diesem Projekt waren meine Rollen sehr zentral und klar umrissen. Deshalb war die Zusammenarbeit mit den anderen Casting Directors nicht ganz so eng, wie es bei manchen internationalen Produktionen der Fall ist. Ich kenne solche Konstellationen aber gut, zum Beispiel von „Triangle of Sadness“. Dort habe ich mit Pauline Hansson aus Schweden, Tanja Grunwald aus Dänemark, Antoinette Boulat aus Frankreich und Jessie Frost aus Großbritannien zusammengearbeitet. Teilweise haben wir über dieselben Rollen nachgedacht, weil es nicht entscheidend war, aus welchem Land jemand kam. Bei „Vaterland“ war das anders: Die Figuren haben reale Vorbilder. Deshalb war es besonders wichtig, eine historisch plausible Verbindung zwischen den Schauspieler*innen, den Persönlichkeiten und der Welt des Films zu finden.

Wie nähert man sich diesen Persönlichkeiten? Sucht man äußerliche Ähnlichkeit oder geht es viel stärker um Wesen, Haltung und Ausstrahlung?
Idealerweise kommt beides zusammen. Aber entscheidend ist für mich immer, das Wesen und die Ausstrahlung einer Persönlichkeit zu treffen. Wenn man an Thomas Mann denkt, hat man einen sehr intellektuellen Menschen im Kopf. Hanns Zischler, der selbst für das Feuilleton geschrieben hat und unglaublich viel über Thomas Mann weiß, bringt sehr viel für die Rolle mit und ist ein wandelndes Lexikon. Es geht um eine bestimmte Präzision in der Sprache und eine gewisse Aura, die solche Figuren haben, wie jemand einen Raum einnimmt oder mit anderen Menschen in Beziehung tritt. Natürlich versucht man auch mit Maske und Kostüm, dem optischen Vorbild nahezukommen. Aber ich gehe immer vom Inneren aus und versuche dann, das Äußere entsprechend zu gestalten.

Du arbeitest gerade an unterschiedlichen Projekten, zum Beispiel „Gebt mir etwas Zeit“ oder „Kunsthändlerin“. Was reizt Dich an diesen Projekten?
Ich durfte mit „Ich bin dann mal weg“ schon einmal ein Buch von Hape Kerkeling umsetzen. „Gebt mir etwas Zeit“ ist eine sehr klug verschachtelte Geschichte, die über verschiedene Zeitebenen erzählt wird, von der historischen bis zur heutigen Zeit. Manche Figuren haben Doppelbesetzungen. Dieses Verspielte daran gefällt mir sehr. Und natürlich hatte ich große Lust, mit Katja von Garnier zu arbeiten. Sie bringt eine unglaubliche Power in das Projekt. Hape gelingt es zudem, seine Perspektive als queere Person für ein breites Publikum zugänglich zu machen.

Von „Die Kunsthändlerin“ hat mir die tolle Regisseurin Pola Beck bereits bei unserer Zusammenarbeit von „Westend Girl“ erzählt, einer Miniserie mit Helena Zengel in der Hauptrolle, die am 03. Dezember 2026 starten wird. Auch hier steht mit Agnes Dürer eine weibliche Figur im Zentrum, die im 15./16.Jahrhundert gelebt hat und die als Kunsthändlerin die Werke ihres weltberühmten Mannes eigenverantwortlich und visionär kaufmännisch gehandelt hat, gleichzeitig kommen wir auch der privaten Agnes nahe.

Wie castet man einen historischen Stoff? Welche Gesichter sucht man da? Und wie sieht es mit Diversität und Repräsentation aus?
Darüber haben wir viel diskutiert. Wo wollen wir nah an den historisch plausiblen Vorbildern casten und wo treffen wir bewusst eine künstlerische Setzung und gestalten den Besetzungsprozess bewusst offen und diversitätsorientiert. Auch historische Stoffe waren nie so homogen, wie viele Bilder in unseren Köpfen es nahelegen. Gute Recherche kann helfen, die Vielfalt einer Epoche genauer wahrzunehmen. Zugleich kann sich ein Film bewusst von historischer Detailtreue lösen, wenn es dafür eine klare erzählerische Haltung gibt. Entscheidend ist, dass solche Entscheidungen nicht zufällig, sondern reflektiert getroffen werden. Manchmal stellen sich auch Fragen der historischen Gestaltung, etwa bei sichtbaren modernen Tattoos oder sehr gegenwärtigen Schönheitsmarkern. Dann geht es darum, gemeinsam mit Maske, Kostüm und Regie eine stimmige Bildwelt zu entwickeln, ohne Menschen abzuwerten oder vorschnell auszuschließen. Repräsentation betrifft aber nicht nur das Aussehen. Wenn wir beispielsweise für queere Rollen gezielt auch nach queeren Schauspieler*innen suchen, geht es darum, ihre Perspektiven einzubeziehen und Zugänge zu schaffen. Daraus sollte weder eine starre Besetzungsregel noch die Erwartung entstehen, dass jemand die eigene sexuelle Orientierung oder Geschlechtsidentität öffentlich macht.

Du engagierst Dich auch in der Casting-Sektion der Deutschen Filmakademie. Ab 2027 wird erstmals eine Lola für das beste Casting vergeben. Was bedeutet diese Anerkennung für Dich und für das Gewerk?
Das ist natürlich eine sehr schöne Entwicklung. Dass die Deutsche Filmakademie ab 2027 erstmals eine Casting-Lola vergibt, ist ein wichtiges Zeichen für das gesamte Gewerk und auf dem Weg dahin hatten wir große Unterstützung von Regisseur*innen, Produzent*innen und Schauspielenden. Auch international wird Casting stärker anerkannt, die Academy hat letztes Jahr den Oscar für „Achievement in Casting“ eingeführt. Ich finde es schön, dass dadurch über unser Gewerk gesprochen wird und die Frage aufkommt, was eigentlich ein gutes Casting ausmacht. Viele denken, dabei gehe es hauptsächlich um Organisatorisches. Aber das wirklich Spannende an unserer Arbeit sind unser dramaturgisches Verständnis, unsere Kommunikationsskills und allem voran unser tiefes Interesse an Menschen. Das jeweils Eigene des Anderen zu erkennen, setzt neben Menschenkenntnis auch Empathie voraus. Wir haben zumindest in Bezug auf Schauspielende ein irres Gedächtnis. Und wir haben die Möglichkeit und Verantwortung, Narrative zu erweitern und Vielfalt in die Geschichten hineinzubringen.

Was kannst Du in Deiner Funktion als Principal of the Global Chapter der European Film Academy bewegen und was liegt dir dabei besonders am Herzen?
Ich finde es toll, dass die europäischen Casting Directors untereinander einen guten Austausch pflegen. Gemeinsam können wir für mehr Sichtbarkeit unseres Gewerkes sorgen und uns auch gegenseitig Rat geben. Je besser wir miteinander verbunden sind, desto leichter können wir auch über Grenzen hinweg Geschichten erzählen, die übergreifend Bedeutung haben und Menschen zusammenbringen. Nahbarkeit, Vertrauen und Verbindlichkeit sind mir wichtig. Gelegentlich kursiert noch die Vorstellung, dass Casting Directors eine Art Hemmschwelle im Besetzungsprozess darstellen. Dabei ist es unser großes Anliegen, Schauspielende zu unterstützen und zu besetzen!

Wie unterschiedlich werden Casting Directors innerhalb Europas wahrgenommen und was können Casting Directors voneinander lernen?
Voneinander lernen kann man immer! Das ist ja gerade das Tolle, dass man ständig etwas Neues dazulernt. Als deutsche Casting Director kann ich beispielsweise von der Expertise meiner schwedischen Kollegin Pauline Hansson profitieren, wenn ich Schauspielende aus Schweden suche. Sie kennt den dortigen Markt natürlich viel besser als ich. Allein das ist ein großer Gewinn. Aber auch die Methoden unterscheiden sich. Wie werden Casting-Prozesse geführt? Wie wird in verschiedenen Ländern mit Diversität umgegangen? Wie erhalten Menschen Zugang zu Rollen? Gerade in europäischen Koproduktionen ist dieser Austausch sehr wertvoll. Plattformen wie Filmmakers können dabei helfen, Sichtbarkeit und Vernetzung über nationale Grenzen hinweg zu stärken.

Wenn Du auf den Nachwuchs blickst, was sollte jemand mitbringen, der heute Casting Director werden möchte?
Es gibt viele tolle jüngere Casting Directors, zum Beispiel Greta Baumann, Laura Buschhagen-Bobbert, Karl Schirnhofer, Berti Caminecci, Dream Nwattu oder Andrea Rodriguez. Es braucht ein großes Interesse an Menschen, ihren Geschichten und die Bereitschaft, immer wieder die richtigen Fragen zu stellen. Das Wesen hinter dem Offensichtlichen erkennen, viel gucken und viel reden wollen. Kommunikation ist wichtig, Genauigkeit ebenso. Ein gutes Gedächtnis hilft natürlich auch. Und man sollte Spaß daran haben, mutig zu sein und Risiken einzugehen und eine eigene Handschrift entwickeln.

Wie erreicht man Dich? Machst du nur persönliche Treffen? Oder macht es Sinn, Dir E-Mails zu schicken, wenn man Neuigkeiten hat?
Ja, klar, man kann mir immer E-Mails schicken, auch wenn ich es nicht immer schaffe, sofort zu antworten. Man kann mich auch jederzeit ansprechen. Ich bin viel in Berliner Theatern und Kinos unterwegs. Je nach Arbeitsvolumen mache ich immer wieder persönliche Treffen. Außerdem veranstalten wir auf jeden Fall wieder unser großes Nachwuchscasting, zu dem wir alle Absolvierenden der deutschsprachigen Schauspielschulen einladen. Und bald gibt es auch wieder meinen „15-Minutes-Wednesday“. Einmal im Monat gebe ich acht kurze Termine zur Buchung frei. Dabei hatte ich schon so tolle, lustige und unerwartete Begegnungen.

Was macht für Dich nach all den Jahren die Magie einer wirklich gelungenen Besetzung aus?
Das ist aber eine große Frage, Carina! (lacht) Die Magie einer gelungenen Besetzung stellt sich, glaube ich, dann bei den Zuschauenden ein, wenn sie im Kino sitzen und das Gefühl haben, dass sie anders herauskommen, als sie hineingegangen sind. Das liegt natürlich nicht allein an der Besetzung. Ein Film entsteht immer durch das Zusammenspiel vieler Gewerke. Aber auch beim Casting selbst gibt es immer wieder diese magischen Momente. Man sitzt mit offenem Mund da und ist beeindruckt davon, was Schauspielende an Persönlichkeit oder auch an etwas Unaussprechlichem in eine Rolle einbringen. Sie versuchen dann nicht, irgendwelche Erwartungen zu erfüllen, sondern laden die Figur mit ihrer eigenen schauspielerischen und menschlichen Intelligenz auf. Wenn ein Film es schafft, dass sich eine Geschichte nicht dargestellt, sondern erlebt anfühlt, dann kann man von einer großen Besetzung sprechen.

Wann weißt Du bei einem Casting, dass es die richtige Person ist? Fällt Dir die Entscheidung manchmal schwer?
Witzigerweise ist es bei unseren Castings schon öfter vorgekommen, dass alle im Raum sofort gespürt haben: Das ist sie jetzt, die Besetzung! Das ist natürlich besonders toll. Manchmal erkennt man aber auch nur einen Teil der Figur in jemandem. Dann verstehe ich es als meine Aufgabe, meinem Gefühl zu vertrauen, mutig zu sein und für diese Person zu kämpfen. Meistens gibt es mehrere Casting-Runden. Am Ende müssen Regie und Produktion mit der Entscheidung glücklich sein. Meine Funktion ist dabei beratend. Ich kann deutlich benennen, wie sich ein Film durch eine bestimmte Besetzung verändert. Das kann ich sehr gut lesen. Natürlich ist die Auswahl nicht einfach, weil es viele wundervolle Schauspieler*innen gibt. Aber zum Glück machen wir immer wieder neue Filme. Manchmal muss man jemandem bei einem Casting absagen und kann dieselbe Person beim nächsten oder übernächsten Projekt besetzen.

Hat sich Dein Blick auf Schauspieler*innen im Laufe der Jahre verändert?
Natürlich hat sich mein Blick auf einzelne Schauspieler*innen verändert, weil sich die Menschen selbst verändern. Das finde ich ehrlich gesagt auch wunderbar. Das Leben geht ja idealerweise nicht spurlos an einem vorbei. Was Schauspielende leisten, beeindruckt mich jeden Tag. Ich selbst kann nicht spielen und könnte diese Warteposition, in dem sich Schauspielende häufig befinden, wahrscheinlich auch nicht aushalten. Ich habe größten Respekt vor der Resilienz, die Schauspielende aufbringen müssen.

Was kann ein Casting Director möglicherweise sehen, was Regie oder Produktion so nicht wahrnehmen?
Weil wir uns so intensiv mit Schauspielenden beschäftigen, bringen wir oft einen besonderen Erfahrungsschatz mit. Wenn ich jemanden im Casting sehe, denke ich nicht nur an die gerade gespielte Szene, sondern auch an frühere Rollen, Theaterarbeiten, Begegnungen und an die vielen Facetten, die ich von dieser Person kenne. Das kommt aus dieser Neugier auf Menschen, von der ich vorhin schon gesprochen habe. Niemand schaut völlig ohne Vorannahmen auf andere Menschen. Aber ich sehe es als zentralen Teil meiner Arbeit, diese Vorannahmen bewusst zu machen und zu hinterfragen. Casting bedeutet für mich, genau hinzusehen, zuzuhören und offen dafür zu bleiben, dass eine Person eine Figur ganz anders und viel größer erzählen kann, als man es zunächst erwartet hätte. Diese Eindrücke sammele ich wie eine Honigbiene. Und dann gibt es immer wieder den Moment, in dem eine Figur und ein Mensch auf eine Weise zusammenkommen, die etwas ganz Besonderes entstehen lässt.

Was ist eigentlich besser, ein Online-Casting oder ein Live-Casting?
Meiner Meinung nach ist ein Live-Casting durch nichts zu schlagen. Ob die Chemie zwischen Menschen stimmt, merkt man erst wirklich in der persönlichen Begegnung. Trotzdem finde ich Selftapes und virtuelle Auditions toll, weil sie mehr Menschen Zugang ermöglichen. Sie geben Schauspielenden die Chance, ihren Hut in den Ring zu werfen. Studiocastings sind wahnsinnig teuer. Deshalb kann man immer nur eine bestimmte Anzahl an Menschen einladen. Ein Online-Casting verstehe ich allerdings eher als Vorstufe. Ich würde nicht allein aufgrund eines Selftapes oder virtuellen Castings besetzen wollen. Für ein Selftape genügt übrigens ein Handyvideo vollkommen. Das Licht muss so sein, dass man die Person gut sehen kann, und der Ton so, dass man sie gut hört. Bei Dialogszenen ist eine Anspielpartnerin wichtig. Das kann ein Freund sein, die Mutter oder auch die Oma. Ich erwarte keine perfekte Inszenierung. Es geht darum, zu sehen, wie Schauspielende mit dem Text umgehen und wie sie ihn interpretieren. Und wenn es gar nicht geht: Meldet euch! Wir können auch mal Hilfestellung anbieten. Manchmal machen wir statt eines Selftapes ein virtuelles Casting. Dann können wir bei der Inszenierung helfen oder Regieanweisungen geben. Wir haben auch einen Pool an Anspielpartner*innen, die wir in solchen Situationen fragen können. Noch ein Tipp: Wenn jemand zwei Versionen einer Szene schickt, sollten diese wirklich unterschiedlich sein. Nicht zweimal dieselbe Interpretation, nur mit einem anderen Pullover! Da kann man ruhig mutig sein und verschiedene Varianten anbieten. Alles, was man nicht zu Hause machen kann, finde ich für ein Selftape allerdings zu viel verlangt.

Gibt es manchmal auch Meinungsverschiedenheiten? Wer entscheidet dann oder wessen Meinung hat größeres Gewicht?
Zunächst einmal muss es einen grundsätzlichen Konsens darüber geben, dass man zusammenarbeiten möchte. Deshalb trifft man sich im Vorfeld mit der Regie und schaut, ob man dieselbe Sprache spricht. Natürlich gibt es trotzdem unterschiedliche Meinungen. Das ist auch gut so. Je mehrstimmiger der Austausch, desto besser! Ich bin aber der Ansicht, dass die Person, die später am Set steht und die Schauspielenden inszeniert, auch entscheiden sollte, mit wem sie arbeiten möchte. Natürlich geschieht das in Abstimmung mit den Auftraggeber*innen und der Produktion. Schließlich wollen alle gemeinsam eine Geschichte erzählen. Ich selbst treffe die endgültige Entscheidung also nicht, sondern berate. Ich kann sehr klar benennen, was sich durch die Wahl der Schauspielenden verändert und so Kriterien einbringen, die den Prozess und die Meinungsfindung beeinflussen.

Nina Hauns Tipps für Schauspielende

  • Texte interpretieren: Haltet Euch nicht sklavisch an Regieanweisungen, wenn sie für Euch keinen Sinn ergeben.

  • Gut vorbereitet sein: Bei Live-Castings muss der Text wirklich sitzen. Nur dann kann man ihn loslassen und frei spielen.

  • Zuhören: Achtet darauf, was Euer Gegenüber sagt. Die Reaktionen werden authentischer, wenn man nicht ständig im Hinterkopf hat, wann die eigenen drei Sätze kommen.

  • Fragen stellen: Casting Directors sind Eure Ansprechpartner*innen. Wenn ihr Fragen zu einem Casting oder einer Szene habt oder ein Problem auftaucht, sprecht uns an. Dafür sind wir da. Wir wollen schließlich, dass ihr ein gutes Casting abgebt.

„Jedes Casting ist wie eine Einzahlung auf ein Konto. Und irgendwann gibt es Zinsen.“ (Nina Haun)

Carina Kühne

Carina Kühne hat nicht 46, sondern 47 Chromosomen. Das Chromosom 21 ist bei ihr dreimal vorhanden - sie ist ein Mensch mit Down-Syndrom. Als Schauspielerin, Moderatorin und Aktivistin engagiert sie sich seit vielen Jahren für Inklusion und die Rechte von Menschen mit Down-Syndrom. Mit großer Neugier und Lebensfreude setzt sie sich öffentlich für gesellschaftliche Teilhabe ein. Als Speakerin referiert sie bei Fachkonferenzen, Workshops und Seminaren, hält Vorträge vor Studenten an Hochschulen zum Thema Down-Syndrom und Inklusion und nimmt an Talkshows und Podiumsdiskussionen teil. Seit dem großen Erfolg des Films „Be my Baby“, in dem sie die weibliche Hauptrolle spielte, ist die Arbeit vor der Kamera in Film und Fernsehen zu einem zentralen Bestandteil ihres Lebens geworden. Außerdem schreibt sie eigene Texte und reflektiert auf „CarinasBlog“ Fragen zu Diversität, Demokratie und Sichtbarkeit im Medienkontext.

© Steffi Henn